Ilustrador Crea Dibujos Que Interactúan Con Su Entorno

El director artístico francés e ilustrador Troqman tiene un increíble sentido del humor. Él crea dibujos en un cuaderno y los coloca estratégicamente en un entorno donde interactúan.

Todo esto parece muy cinematográfico, no crees? Este hombre ha llevado este arte a otro nivel.

ARTE CINEMATOGRAFICO

Cinematografía, , es la creación de imágenes en movimiento. Puede incluir el uso de la película o las imágenes digitales, normalmente con una cámara de vídeo. Está muy relacionado con el arte de la fotografía. Tanto dificultades técnicas como numerosas posibilidades de creatividad surgen cuando la cámara y los elementos de la escena están en movimiento.



La cinematografía ha sido siempre una forma de arte  única para las películas de todo tipo de género. Aunque la exposición de imágenes en elementos de luz sensible, se remonta a la temprana era del siglo XX, las películas pedían una nueva forma de fotografía y nuevas técnicas estéticas. "Es plasmar una percepción en imágenes en movimiento con o sin sonido, tal vez distorsionada en la mayoría de las realizaciones cinematográficas, pero con un sentido propio y de querer dar una visión más amplia, simple o compleja de la realidad, la historia, el concepto de futuro y de la ficción.

Al arte de la cinematografía contribuyen muchos aspectos. Estos son:

Sensor de la imagen y cinematografía.

La cinematografía puede empezar con roles de películas o un sensor digital de las imagenes. Los avances en la producción de películas y la estructura granulada proveyeron un amplio rango de peliculas fotograficas disponibles. La selección de una película fotográfica fue una de las primeras decisiones tomada en la preparación de la película típica del siglo veinte.

Filtros

Los filtros, como los filtros de difusión o los filtros de efectos de color, también son amplia mente utilizados para mejorar los efectos del estado de ánimo o efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos se componen de dos piezas de vidrio óptico pegadas entre sí con una forma de imagen o material de manipulación de la luz entre el vidrio. En el caso de los filtros de color, a menudo en medio hay un color translúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los filtros de color funcionan mediante el bloqueo de ciertas longitudes de onda que el color de la luz llega a la película. Con la película en color, esto funciona muy intuitivamente, así pues un filtro azul reduce el paso al rojo, naranja y amarillo claro y crea un tinte azul en la película. Con las fotografías en blanco y negro, los filtros de color se utilizan poco, por ejemplo un filtro de color amarillo, lo que reduce las longitudes de onda azules de la luz, puede ser utilizado para oscurecer un cielo de verano (mediante la eliminación de la luz azul de golpear la película, por tanto en gran medida sub exponiendo el cielo todo azul), aunque no sea un tono de piel más humano. Algunos cineastas, como Christopher Doyle , son muy conocidos por su uso innovador de los filtros. Los filtros pueden ser utilizados en frente de la lente, o en algunos casos, detrás de la lente para diferentes efectos.

Lente

Con la lente se puede conectar a la cámara para dar una cierta mirada o sentir el efecto de enfoque, color, etc. Al igual que el  ojo humano, la cámara crea perspectiva y las relaciones espaciales con el resto del mundo. Sin embargo, a diferencia de un ojo, una fotografía puede seleccionar diferentes lentes para diferentes propósitos. La variación en la distancia focal es una de las ventajas principales. La longitud focal de la lente determina el angulo de visión y, por lo tanto,el campo de visión . Los directores de fotografía pueden elegir entre una amplia gama de lentes angulares, “normales”, y lentes de enfoque largo así como los objetivos macro y otros sistemas especiales de lentes de efectos tales como lentes de baroscopio

La profundidad del campo y el enfoque

La longitud focal y la abertura del diafragma afecta a la profundidad de campo de una escena, es decir, hasta qué punto el fondo, a mediados de baja y el primer plano se representará en el “enfoque adecuado” (un solo plano exacto de la imagen está en el foco exacto) en la película o de destino de vídeo. La profundidad de campo (que no debe confundirse con la profundidad de foco) se determina por el tamaño de la apertura y la distancia focal. Una gran profundidad o profundidad de campo se genera con una apertura muy pequeña del iris y centrándose en un punto en la distancia, mientras que una menor profundidad de campo se puede lograr con una gran apertura del iris y centrándose más cerca de la lente. La profundidad de campo también se rige por el tamaño de formato. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión, menor será la imagen, la distancia focal debe ser más corta, como para mantener el mismo campo de visión

Relación de aspecto y el encuadre

La relación de aspecto de una imagen es el cociente de su anchura a su altura. Esto se puede expresar como una relación de 2 enteros, tales como 4/3, o en un formato decimal, como 1,33. Diferentes proporciones ofrecen diferentes efectos estéticos. Normas para la relación de aspecto han variado significativamente con el tiempo. Durante la época del cine mudo, las relaciones de aspecto variado amplia mente, abarca desde la plaza 1,1 , todo el camino hasta el extremo de pantalla ancha 4,01 polyvision.Sin embargo, desde la década de 1910, las imágenes mudas en movimiento en general, se establecieron en la proporción de 4:3 (1,33). La introducción del sonido en la película breve mente estrecha la relación de aspecto, para dejar espacio a una banda de sonido. En 1932 se introdujo un nuevo parámetro, con la proporción de 1,37, con el fin de ensanchar el marco.

Iluminación

La iluminación es necesaria para crear la exposición de una imagen en un fotograma de una película o en una tarjeta digital (CCD, etc.). El arte de la iluminación en cinematografía se aleja de la exposición básica, no obstante, en la esencia de cuenta-cuentos. La iluminación contribuye considerablemente a la respuesta emocional que la audiencia tiene al ver imágenes en movimiento. Como dijo una vez el director Sahin Michael Derun: la diferencia entre porno y erotismo es la iluminación (simplemente remarcando la importancia de la iluminación en cinematografía).

Movimientos de cámara

La cinematografía no solo puede representar un objeto en movimiento si no que puede usar una cámara que representa el punto de vista o perspectiva de la audiencia, que se mueve durante la filmación. El movimiento juega un rol considerable en el lenguaje emocional de la filmación de imágenes y la reacción emocional de la audiencia a la acción. Las técnicas se extienden desde los movimientos más básicos del panning(movimiento horizontal de un punto de vista desde una posición fija; como si giraras tu cabeza de un lado a otro) y tilting(movimiento vertical de un punto de vista desde una posición fija; como inclinar la cabeza hacia atrás para mirar hacia el cielo y luego hacia el suelo) hasta el dollyng(posicionando la cámara en una plataforma en movimiento para acercarse o alejarse del objeto), “tracking”(posicionando la cámara en una plataforma en movimiento para moverla hacia la izquierda y la derecha), cranning (moviendo la cámara en una posición vertical; siendo capaz de levantarla del suelo así como balancearla de un lado a otro desde una posición fija), y combinaciones de las anteriores.

Arte Urbano

Arte Urbano.

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al graffiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera. Desde mediados del los años 90 el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti pero no siempre tiene que ser en paredes pues ahora en la actualidad es posible, incluso, dibujar en forma experta 3D.

El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público, algunos dañando el espacio privado.

Cabe mencionar que también a las personas que tienen un talento "nato" se les asigna un lugar apropiado y que sea legal antes que nada, en esos espacios esas personas pueden plasmar diversas cosas obviamente promoviendo temas de sumo interés como contaminación, el agua, la naturaleza, la historia etc. eso si sin ofender de cierta forma a la demás gente que aprecia lo que se puede visualizar.

ARTE EGIPCIA

ARTE EGIPCIA

El arte egipcio esta dirigido principalmente por los deseos de los distintos faraones, ya que todos buscaban construir edificaciones que perduraran a lo largo del tiempo y pasaran a la posteridad.
Esta es la principal razón por la utilizaban piedras para sus construcciones.
Los edificios más significativos fueron los templos, donde se honraba a los dioses y las tumbas, donde se guardaba la memoria de los difuntos.

Los arquitectos egipcios no utilizan la bóveda por lo que se trata de una arquitectura dintelada, creando una característica sensación de estabilidad. Sus muros eran extraordinariamente anchos y acababan en un talud, disminuyendo su anchura a medida que se elevaban. Estos edificios están ampliamente decorados bien con elementos vegetales o animales, o bien con jeroglíficos, escenas históricas, etc. La mayoría de estas decoraciones se realizaban en relieve, siendo una de las principales fuentes para el conocimiento de la historia de Egipto.

Las diferentes salas del templo van disminuyendo en altura y en iluminación, manifestándose también una diferenciación social en cada una de ellas.
De esta forma, el pueblo sólo puede acceder hasta los pilonos, mientras que las clases superiores como pueden pasar a la sala hipetra. La familia real tiene acceso a la sala hipóstila y los sacerdotes y el faraón al santuario.
Además de los templos construidos con piedras, se realizaron algunos otros excavados en la roca. Éstos reciben el nombre griego de speos que significa “cueva”. Estos templos se encuentran en Ipsambul, en Nubia.

Respecto a la escultura egipcia, nos encontramos con una dualidad muy significativa: las estatuas que representan a los dioses y los faraones son tremendamente estáticas, mostrando una absoluta rigidez, lo que se ha venido llamando la ley de la frontalidad. Los brazos están pegados al cuerpo y una de las piernas avanza sin abandonar la rigidez.
Por otro lado, las estatuas de personajes secundarios como los escribas, los funcionarios o los animales están realizados con un naturalismo digno de destacar. Estas estatuas se mueven, creando la sensación de viveza y espontaneidad.
Una de las preferencias del escultor es el relieve, utilizando el bajorrelieve e incluso el hueco relieve. Eluden la perspectiva y representan a la figura de perfil. Las piernas se muestran de perfil, mientras que el torso aparece de frente. En la cara ocurre parecido, el rostro de perfil aunque el ojo se ve de frente.

Los faraones y los dioses son mayores que las demás personas, mostrando una ley de la jerarquía. Las escenas se suelen desarrollar en filas paralelas aunque a veces se muestran diversos escenarios de manera simultánea. La temática de estos relieves está normalmente relacionada con la vida de ultratumba o con imágenes relacionadas con el difunto, por lo que gracias a estas escenas se puede conocer con mayor facilidad el Egipto antiguo. La pintura está muy relacionada con el relieve ya que mantiene la ausencia de perspectiva, la representación de la figura y la ubicación de los escenarios. Utilizan colores planos y tienen carácter decorativo.

Arte Sonoro

ARTE SONORO (Musica)

Arte sonoro comprende un diverso grupo de prácticas artísticas que tienen como principal objetivo diferentes nociones del sonido, la escucha y la audición. Existen normalmente diferentes relaciones entre los ámbitos visual y auditivo del arte así como de la percepción por los artistas del sonido.

CARACTERISTICAS

Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte sonoro es interdisciplinario por naturaleza, tomando formas híbridas. El arte sonoro se ocupa frecuentemente de aspectos como la acústica, la psicoacústica, la electrónica, el noise, los medios de audio y la tecnología (tanto analógica como digital), el sonido encontrado o ambiente, la exploración del cuerpo humano, la escultura, la película o el vídeo y un abanico de temas creciente

Desde el punto de vista de la tradición occidental, los primeros ejemplos de este arte incluyen a Luigi Russolo y su Intonarumori, y los experimentos que a continuación realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas. Dada la diversidad del arte sonoro, existe a menudo un debate sobre si el arte sonoro cae dentro y/o fuera tanto del arte visual como de la música experimental

El arte sonoro también está relacionado con el arte conceptual, el minimalismo, el spoken word, la poesía avant garde y el teatro experimental.

5 Artistas Famosos Contemporaneos

5 ARTISTAS FAMOSOS CONTEMPORANEOS

Los artistas famosos contemporáneos seleccionados en esta lista de popularidad se aman o se odian, no existe el término medio: uno considera que merecen la atención que han despertado y se les sigue prestando o no.

Puede que como algunos críticos pronostican la fama de alguno de ellos se diluya con el paso del tiempo y no dejen una huella profunda e influyente en la historia del arte. Pero todos son ellos son grandes maestros a tener en cuenta en el arte de la autopromoción.

1. Banksy

Pocos datos se pueden dar con certeza del artista que firma sus obras con este seudónimo. Ni es conocido su nombre real, ni su fecha o lugar de nacimiento. Lo que sí se sabe es que comenzó su actividad como graffitero en la década en los noventa en Bristol (Reino Unido) y que su fama despuntó a nivel nacional e internacional ya en el siglo XXI con stencils satíricos anti-sistema -y según sus detractores- populistas.La obra del graffitero más famoso del mundo ha pasado de las calles a las galerías y casas de subastas de arte. Unas veces con y otras sin su consentimiento, en cualquiera de los casos con polémica de por medio. Su popularidad y éxito comercial han contribuido a un mayor interés por la obra de otros artistas urbanos contemporáneos (calificado por algunos como ‘efecto Banksy’) y a la discusión sobre si el graffíti es arte o vandalismo.

2. Ai Weiwei

Ai Weiwei (1957, Pekín) es el artista contemporáneo chino más famoso del mundo, pero es más conocido por su activismo social y problemas con la autoridad china. Y es que Weiwei compagina su actividad como artista conceptual con la crítica pública al gobierno de la República Popular China por corrupción, censura y violación de los derechos humanos.

Por orden del gobierno chino su estudio en Shangái fue demolido y ha sido arrestado en varias ocasiones por acusaciones variopintas. Su popularidad estalla cuando en abril de 2011 la familia de Ai Weiwei denuncia su desaparición y distintos medios, organizaciones y profesionales muestran su apoyo dando visibilidad al suceso. 81 días más tarde será liberado bajo fianza por el gobierno, pero tiene prohibido salir del país. Pese a estas limitaciones, Ai Weiwei permanece muy activo y visible gracias a campañas en las redes sociales y su participación en multitud de exposiciones internacionales.

3. Marina Abramović

Marina Abramović (1946, Belgrado) es la orgullosa “abuela de la performance” disciplina artística a la que lleva dedicándose desde principios de los setenta. A lo largo de su trayectoria ha explorado en su obra el rol del artista, su relación con la audiencia, los límites del cuerpo y la mente. El arte de la performance es aún joven y, aunque mucho menos que en los inicios de la carrera de Abramović, se sigue discutiendo si es realmente arte y si su sitio no son los escenarios en vez de las salas de un museo. Si ya de por sí la disciplina era polémica, los límites a los que llegó la artista en algunas de sus obras poniendo en peligro su integridad física rayaban con el sensacionalismo. Finalmente es en 2010 cuando Marina Abramović es encumbrada como artista de valía indiscutible con la retrospectiva que le dedica el MoMA de Nueva York. En ella Marina desarrolla su obra más conocida: la performance The artist is present que la introduce al gran al gran público con el apoyo de personalidades como la cantante pop Lady Gaga y el actor James Franco.

4. Jeff Koons

Jeffrey Koons (1955, York, Pennsylvania) es el artista del 1%. Admirador de Salvador Dalí y Andy Warhol, bróker en Wall Street, no es de extrañar que fuese el primer artista en contratar los servicios de una agencia de publicidad para promocionarse y hacerse un hueco en el comercio de lujo. Koons comenzó como escultor conceptual minimalista exhibiendo reproducciones de series de objetos de carácter doméstico como aspiradoras o pelotas de baloncesto. Pero sus series más conocidas tienden hacia el pop. Es con las esculturas de versiones lujosas y monumentales de objetos kitsch con los que rompe el record al precio más alto pagado por la obra de un artista vivo en el 2013. Pese a su éxito evidente, no faltan las críticas que ven en Jeff Koons y su base de coleccionistas lo peor de un mercado del arte en el que imperan lo banal, la especulación y el mal gusto.

5. Damien Hirst

Damien Hirst (1965, Bristol, Reino Unido) sigue siendo el artista británico más famoso en la actualidad, pero su pico de popularidad y demanda en el mercado fue el periodo entre principios de los noventa y principios del siglo XXI. En los noventa es el miembro más destacado del grupo Young British Artists que cuenta con el respaldo del coleccionista Charles Saatchi (casualmente publicista) quien por aquel momento parecía tener la maldición del rey Midas de convertir en oro todo lo que tocaba. Damien Hirst, entre el arte conceptual y el pop, se convierte en el icono de una burbuja en el mercado del arte contemporáneo en la que mandan los coleccionistas por encima de marchantes y críticos. Es en el 2008 cuando Hirst, aprovechando su situación privilegiada, rompe las reglas de juego en el mercado del arte y celebra por su cuenta una subasta saltándose a sus representantes intermediarios. La expectación es tremenda, la subasta un éxito en el que se rompen varios records de ventas. Pero desde entonces Hirst no ha podido mantener su popularidad ni su cotización.

Artes Visuales

Artes Visuales.
Las artes visuales son una rama del arte, que incluye las tradicionales artes plásticas e incorpora las nuevas formas de expresión artísticas surgidas hacia la segunda mitad del siglo XX, así como el uso de los avances tecnológicos (los denominados nuevos medios) que han dado lugar a la aparición de nuevas formas de expresión y entrecruzamiento entre disciplinas presente en el arte contemporáneo.
Las artes visuales engloban las tradicionales Artes plásticas, entre las que se incluyen dibujo, pintura, grabado y escultura, así como las expresiones que incorporan nueva tecnología orientada al arte o elementos no convencionales, y su mayor componente expresivo es visual, también llamado arte de los nuevos medios entre los que se incluyen: Fotografía, Vídeo arte, Arte digital.

Arte Visual Dibujo: Dibujo significa tanto el arte que enseña a dibujar, así como delineación, figura o imagen ejecutada en claro y oscuro; toma nombre de acuerdo al material con el que se hace. El dibujo es una forma de expresión gráfica, plasma imágenes sobre un espacio plano. Debido a lo anterior, es considerado parte de la bella arte conocida como pintura. Es una de las modalidades de las artes visuales. Se considera al dibujo como el lenguaje gráfico universal, ha sido utilizado por la humanidad para transmitir ideas, proyectos y, en un sentido más ámplio, sus ideas, costumbres y cultura.

Arte Visual Pintura:  En estética o teoría del arte modernos la pintura está considerada como una categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas digitales. 

Arte Visual Abstracto: El concepto de arte abstracto se aplica a muchas y distintas artes visuales: pintura (pintura abstracta), escultura (escultura abstracta) y artes gráficas (artes gráficas abstractas). Su aplicación a otras artes plásticas, como la arquitectura (arquitectura abstracta) o a artes no plásticas (música abstracta, danza abstracta o literatura abstracta), es menos evidente, pero existe uso bibliográfico de tales expresiones.

Arte Visual Contemporáneo: El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo.

Arte Visual Audiovisual: El concepto audiovisual significa la integración e interrelación plena entre lo auditivo y lo visual para producir una nueva realidad o lenguaje. La percepción es simultánea. Se crean así nuevas realidades sensoriales mediante mecanismos como la armonía (a cada sonido le corresponde una imagen),complementariedad (lo que no aporta lo visual lo aporta lo auditivo), refuerzo (se refuerzan los significados entre sí) y contraste (el significado nace del contraste entre ambos).